Música

Beleza Pura

Rosa Passos e Ivette Sangalo cantando "Dunas". Cada vez que lo escucho me llena de belleza y felicidad.
Espero que os ocurra lo mismo.

Arnaldo Antunes

Qualquer

Nuevo disco de esta reconocida figura del pop-rock brasileño más inconformista de fama mundial por su participación en el proyecto Tribalistas junto a Marisa Monte y Carlinhos Brown, quienes, por cierto, también colaboran en el disco Aunque lo reciente de la publicación de Qualquer todavía no otorga la necesaria perspectiva, el nuevo trabajo de este gran músico y reconocido poeta se antoja uno de los de mayor significación en una carrera que se extiende ya más allá de las tres décadas. Qualquer es un salto hacia delante. Una auténtica acrobacia de la que resulta un Antunes definitivamente alejado tanto del rock bullicioso y vanguardista de Titas (el proyecto con el que alcanzó fama) como del pop de sonrisa franca y rostro amable de los muy exitosos Tribalistas, banda en la que unió fuerzas con Carlinhos Brown y Marisa Monte. El Arnaldo Antunes de Qualquer es significativamente diferente de cualquier otro Arnaldo Antunes que hayamos tenido ocasión de conocer. Es uno entregado a la delicadeza del susurro y la quietud. Uno que renuncia a la presencia de cualquier elemento percusivo para concentrarse en la calidez del piano y la guitarra acústica. Uno más etéreo, más pausado. Uno que reconoce la influencia que Joao Gilberto, el gran maestro de la Bossa, en su nueva forma de interpretar y dar forma a una letras que –y en eso sí que nada ha cambiado- siguen siendo poéticos lienzos de reflexión y emoción. ¿Madurez? No, nunca anduvo escaso Antunes de madurez, sea lo que sea que el término pretende designar cuando se aplica a la obra de un artista. Más bien deseo de concederse a así mismo la posibilidad de buscar otras vías de expresión, otras formas de vestir sus composiciones. Quizás por eso el paulista aprovecha Qualquer para rescatar hasta tres temas de su autoría e interpretarlos por primera vez después de que ya lo hicieran nombres como Gilberto Gil, Maria Bethânia y Marisa Monte. Quizás sea ahora cuando Arnaldo Antunes ha encontrado la voz con que grabarlas y los sonidos con que envolverlas

http://www.discmedi.com/en/cataleg/cd_s/arnaldo_antunes/dm4267

El Duke Ellington del barro

Hace un par de semanas se conoció en Brasil la noticia de la muerte de Moacir Santos en California, cuando acababa de cumplir 80 años. Mito para entendidos dentro de la música brasileña, maestro de música de los chicos de la bossa que se fue en los años sesenta a Hollywood para ya no volver, su trabajo acababa de ser rescatado del olvido conla celebrada reedición de Coisas, su obra maestra.

Martín Pérez

“Este disco es negro desde la tapa hasta el vinilo, desde el músico al sonido que se escucha”, escribió Roberto Quartin en el texto que acompañó la edición original de Coisas, el primer y magistral álbum de Moacir Santos, editado cuando la bossa nova se paseaba triunfadora por Ipanema, y que los chicos famosos de la escena confesaban escuchar todas las noches. “Para nosotros era como una biblia”, explicó Roberto Menescal, alumno de Santos al igual que Nara Leao, Baden Powell, Sergio Mendes, Oscar Castro Neves, Joao Donato, Carlos Lyra y otros. “Fue mi primer profesor, pero siempre que me preguntan si con él aprendí música, respondo que aprendí vida”, agrega Menescal. A pesar de que en 1967 se mudó a California para no volver, y que desde entonces apenas editó cuatro discos más en los Estados Unidos —tres de ellos por el prestigioso sello Blue Note, que estaba preparando una reedición de la obra cuando llegó la noticia de su muerte—, esta veneración por la música de Santos no se queda entre quienes fueron sus alumnos directos. “Moacir era uno de aquéllos, uno de los jedis, junto a Villa-Lobos y Tom Jobim”, dijo Ed Motta. “Estoy seguro de que va a ser recibido en el paraíso por Duke Ellington con la alfombra roja extendida.”

Radar|Domingo, 27 de Agosto de 2006 despedidas > murio moacir santos, el maestro de la bossa http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-3208-2006-08-29.html

Moacir Santos: Lo erudito en lo popular

Nacido en la región de Pernambuco, comenzó su carrera en Recife, donde desarrolló sus dotes de compositor y saxofonista, y potenció sus conocimientos literarios. Santos fue profesor de músicos como Roberto Menescal, Nara Leão y Sergio Mendes, entre otros. En 1967 se trasladó a Los Ángeles, triunfando con sus creaciones de jazz y samba para la firma Blue Note. Grabó los discos Saudade y Maestro, y fue nominado a un Grammy por sus trabajos en el cine. Entre sus composiciones más conocidas están: Menino Travesso, Triste de Quem y Se Você Disser que Sim, todas con Vinicius de Moraes. Días después de su fallecimiento, se conoce la nominación de sus composiciones al Grammy Latino. La historia de Moacir Santos comenzó el 26 de julio de 1926 en el pueblo de Vila Bela, en Pernambuco. “Para mí, yo nací músico, nací con la música. Mi primer recuerdo es el de la muerte de mi madre, cuando tenía 3 años. Y cuando me vinieron a buscar para llevarme a su lecho de muerte, me acuerdo que yo estaba batendo lata”, contó el propio Moacir en una gran entrevista publicada por la revista Bizz en su ejemplar de enero de este año. Huérfano y autodidacto, Santos huyó de su casa para tocar en bandas de pueblo en pueblo y a los 14 años ya sabía tocar saxo, clarinete, trompeta, banjo, guitarra y batería. Fue admitido como saxo tenor en la banda de la Policía Militar de Paraíba, en 1945 pasó a formar parte de la Jazz Band de la Radio de Recife y en 1951 pasó a ser maestro de la Radio Nacional en Río de Janeiro. Todo ese pasado de provincia es el que sus admiradores ven en su música, que escribió mientras participaba como instrumentista y arreglador de los discos de Baden Powell y Vinicius de Moraes. En el texto antes mencionado, Roberto Quartin destaca que se trata de “un músico negro escribiendo música negra y no de un garoto de Ipanema contando las tristezas de la favela o de un carioca que nunca fue más allá de Petrópolis”.

Jorge Drexler en Castellón

Fecha: 09/02/2007

Ciudad: Castellón de la Plana

Lugar: Auditorio

Fusión

¿Dónde termina tu cuerpo y empieza el mío? A veces me cuesta decir.

Siento tu calor, siento tu frío, me siento vacío si no estoy dentro de ti.

¿Cuánto de esto es amor? ¿Cuánto es deseo? ¿Se pueden, o no, separar?

Si desde el corazón a los dedos no hay nada en mi cuerpo que no hagas vibrar

¿Qué tendrá de real esta locura? ¿Quien nos asegura que esto es normal?

Y no me importa contarte que ya perdí la mesura que ya colgué en mi armadura en tu portal

Donde termina tu cuerpo y empieza el cielo no cabe ni un rayo de luz

¿Qué fue que nos unió en un mismo vuelo? ¿Los mismos anhelos? ¿Tal vez la misma cruz?

¿Quien tiene razón? ¿Quien esta errado? ¿Quien no habrá dudado de su corazón?

Yo sólo quiero que sepas: no estoy aquí de visita, y es para ti que está escrita esta canción.

Amy Winehouse

Amy Winehouse

Amy Winehouse - Frank [CD, Universal] Con "Frank" la británica Amy Winehouse se presenta al mundo de forma incomparable: un cóctel de easy listening, r&b, jazz y sobre todo una fantástica lírica irónica, acogedora e impactante. Con una voz que viaja entre Erykah Badu y Ms. Dynamite. Mezcla de Aretha Franklin con Tori Amos o de Nina Simone con PJ Harvey es una de las cantantes más interesantes y estimulantes aparecidas en el Reino Unido en los últimos años. Winehouse usa su voz como lo hacen las grandes divas del jazz: descuidada, ronca y a la vez suave. ¡Y sólo tiene diecinueve años! Frank es un gran debut de una cantante que está en camino a Algo Grande.

He puesto un par de temas arriba.

Música y Libros

Hola a tod@!

Ésta va a ser mi primera aportación a este nuestro blog, ya que los altos mandos en general, y el subcomandante en particular, se quejan de que no participamos en él.  

Bueno lo que quiero compartir con vosotros es esta dirección superchula de internet www.musicovery.com, que no es música tan buena como la que nos tiene acostumbrados el subcomandante, pero está bien, y a través del mando de control que aparece a la izquierda de la pantalla te propone música a partir de unos parámetros que puedes elegir, como por ejemplo tu estado de ánimo. Espero que os guste.

 Por cierto, la información ha sido filtrada por Manu, al que tengo enganchado al blog, creo que por la música. 

AHHH… se me olvidaba, para quien le interese el intercambio de libros a través del bookcrossing, puede entrar en esta otra página www.bookcrossing-spain.com.

 Besets,    Milus

Roberta Sá

A los 24 años, la joven cantante Roberta Sá presenta Braseiro como si fuera una veterana. En poco más de 3 años, la música pasó de elemento secundario a protagonista en la vida de esta artista, desde que tuvo la confianza de que ese era el camino. El repertorio de Braseiro es una declaración de amor a la música popular brasileña. Desde la primera canción, Eu Sambo Mesmo, Roberta muestra un samba inmortalizado por Joao Gilberto. "Esa fue la primera que decidí grabar. La letra traduce exactamente lo que yo quería decir en la abertura del disco". La inclusión de un Chico Buarque menos obvio de Pelas Tabelas también es afectiva: "acostumbro decir que en mi familia no nos gusta Chico. Somos devotos de él", señala la artista.

Grabada anteriormente por Joao Gilberto, el swing Eu sambo mesmo (Janet de Almeida), que abre el disco, gana un delicioso ritmo en esta grabación. En Pelas tabelas, de Chico Buarque, el registro está por lo bajo al mismo nivel de lo realizado por el propio autor. También vale la pena destacar la imponente No braseiro; la obra maestra Lavoura, que fue escrita por Teresa Cristina y Pedro Amorim y en el disco Roberta Sá comparte con Ney Matogrosso; la clásica A vizinha do lado, del maestro Dorival Caymmi; y A dolorida, de Paulo César Pinheiro y Miltinho. En conclusión, se trata de uno de esos extraños discos que son escuchados de comienzo a fin -no hay siquiera una canción mala.

 

Mario Lacerda

http://www.miradaglobal.com/index.asp?id=cultura&idioma=es&principal=100404

Podéis descargar los discos aquí:

http://rapidshare.de/files/37332877/roberta_sa--braseiro.rar.html

http://www.badongo.net/file/1702242

Amadou & Mariam

Amadou & Mariam, es por encima de todo una historia de amor. Se conocieron hace 25 años en el instituto para jóvenes ciegos en Malí. Desde entonces han estado siempre juntos tanto en su vida privada como en la profesional.
Amadou Bagayoko, se dio a conocer en los 70', en la época en la que se proclamó la independencia y Mali se desbordó de ideas de todo tipo. Amadou entonces formó parte durante seis años de los Ambassadors, el mayor grupo procedente del oeste de África.
Mariam Doumbia, cantante de nacimiento, creció escuchando la música de la radio de su padre y educó su voz cantando en festivales tradicionales celebrados en Malí.
En su encuentro musical, Amadou aporta el toque funky mientras que Mariam incide en el soul y en ese sonido llamado blues africano en el que Malí ha aportado tanto y que Amadou maneja con maestría.
En los 80' Amadou y Mariam se mudaron a Abidjan atraídos por la frenética actividad de la capital de Costa de Marfil dónde su trabajo empezó a ser reconocido en todo África del Oeste.
Después de aquella época, la joven pareja se mudó a Francia con un estribillo que pronto les hizo famosos: « Je t'aime mon amour, ma chérie... » ("Te amo mi amor, mi amor..."). Desde 1998 Amadou & Mariam han estado de gira en Francia y en Estados Unidos.
Con tres discos en el mercado y miles de conciertos, Amadou & Mariam han impuesto su nombre, a base de trabajo.
Amadou & Mariam es una historia de amistad que se ha visto reflejada en su disposición para compartir escenario y colaboraciones con músicos de muy diverso procedencia cómo Sargento Garcia, -M-, Hamid El Kasri, Jean-Philippe Rikiel, Moriba Koité, Tiken Jah Fakoly... " Es muy importante mezclarse ".
Es con este espíritu que se produjo el encuentro con Manu Chao que se enamoró de una de sus canciones "Chauffeurs" ("Conductores"). Como consecuencia de este arrebato, le invitaron a producir su nuevo disco Dimanche à Bamako. No obstante, Manu Chao se implicó completamente en el disco acompañándoles y poniendo su voz en varios de los temas incluidos en este disco. El resultado es un disco que ya ha superado las 100.000 copias en Francia.

Cibelle

¿Qué podemos esperar de una mujer que ha paseado su talento por distintos territorios creativos con naturalidad y sencillez? Demasiado, creo. Sobre todo si descubrimos que, detrás de esa existencia, hay una vida marcada por la poesía, el cine, la moda, la actuación y la música.

Cibelle Cavalli es la fémina que reúne todas estas cualidades. A los seis años, sus padres la matricularon en el conservatorio de Sao Paulo. Sin embargo, con el tiempo, abandonó sus estudios para sumergirse en otras labores. En ese lapso, se desenvolvió como poetisa, actriz y cineasta hasta que, por una cuestión del azar, el destino la entregó (una vez más) al universo de los sonidos.

Con The Shine of Direct Electric Leaves (2006), Cibelle firma su segundo trabajo en solitario y nos deleita con una mixtura que recorre algunos ritmos brasileños, sonidos orgánicos, secuencias electrónicas y una voz cautivadora. Esencia y talento que, además, le permiten establecer una marca singular donde se devela su pasión por la música mestiza.

Por ello, decidió invitar a músicos como Seu Jorge, Devendra Banhart y Spleen para que, de la mano del productor Mike Lindsay, conjugaran sus melodías con variados matices melódicos. Además, como un tributo a sus compositores más queridos, decidió incluir algunos covers de Caetano Veloso (London London), Antonio Carlos Jobim (Por Toda a Minha Vida) y Tom Waits (Green Grass).

Influencias que se suman a la lista (casi interminable) de referentes que motivan sus composiciones. Y, como ya lo dijo alguna vez en una entrevista: la música tiene que venir del corazón y no de la cabeza. Así, quién no podría enamorarse de su voz y sus sonidos.

The Shine of Direct Electric Leaves
CIBELLE
Crammed Disc
2006

Sparklehorse

Delicado e intimista pop norteamericano

No los había escuchado hasta hoy. El jueves iré a verlos.

Lo que dicen de ellos:

Sparklehorse

Si ayer hablaba de un grandísimo compositor del pasado, Pete Ham, hoy rindo tributo a uno del presente, Mark Linkous, la persona detrás de Sparklehorse. 3 discos en 10 años, pero 3 discos enormes. Una escucha de su segundo disco, Good Morning Spider, hace muchos años, en los tiempos de estudiante, me puso tras su pista. Había una canción extraña, Happy Man, que me enganchó desde el primer momento. No me quedé con el disco, solo esa canción en un recopilatorio que me grabaron, hasta que en el 2001 sacó It's a wonderful life y lo pude disfrutar en todo su esplendor.

http://www.lacoctelera.com/pepsounds/post/2005/06/13/sparklehorse

 

Sala: El Loco

Entrada anticipada 20 €

Info del grupo y concierto: Blanca

 

Saudades de Beck

Beck "Sea Change"
Me encuentro este Cd que aún no había escuchado,
y me entero de que hoy publica nuevo disco...

Beck
“Sea change”
Geffen

Admirado por los propios músicos y elogiado unánimemente por la crítica especializada Beck es uno de los pocos, escasísimos artistas actuales que enriquecen con cada nuevo disco suyo el estado de la música popular. Poseedor de uno de los lenguajes más personales y creativos de la escena actual, caracterizado por una alucinante deconstrucción de géneros tradicionales como el rock, el soul o el pop con ritmos y texturas contemporáneas como el hip-hop o la electrónica, los comienzos de Beck fueron como cantautor folk, probablemente su mayor influencia tal y como quedó evidenciado en su sublime “Mutations” y en el más desconocido “One foot in the grave”. Para “Sea change”, una vuelta a los paisajes sonoros más transitados de su discografía, Beck se ha acompañado de Nigel Godrich, productor con el que ya grabó “Mutations” y que está en discos tan fundamentales como el “O.K. Computer” de Radiohead o “Regeneration” de The Divine Comedy, para realizar una obra maestra indiscutible de autor a la que es difícil encorsetar bajo cualquier etiqueta genérica. Emocional e introspectivo, “Sea change” es un disco que parte de los medios tiempos y baladas neo-folk, como en “Guess I’m doing fine” o “Lost cause”, para desarrollar atmósferas musicales que van desde la épica desgarrada, como reflejan las cuerdas de “Lonesome tears”, a un impresionismo plácido, “End of the day”, pasando por los sonidos etéreos, “Already dead”, y por el desasosiego de temas tan inquietantes como “Little one”. Sutil e intenso como el buen café “Sea change” no sólo es uno de los mejores discos del año, sino también una de las piezas más turbadoras surgidas últimamente de la escena americana, un reverso idóneo para ese otro imprescindible nuevo testimonio desde las raíces realizado por Bruce Springsteen. ISRAEL RUIZ
texto original

Escuchando...

The Arcade Fire, "Funeral"
De ellos dicen:

Con “Funeral”, su primer LP, se convirtieron en el grupo revelación del pasado año. La riqueza instrumental, los tonos fríos e invernales, junto con unas letras muy personales con constantes referencias a la muerte han llamado la atención de hasta el propio David Bowie. The Arcade Fire estuvieron de promoción en Barcelona, donde charlamos con el matrimonio formado por Win Butler y Régine Chassagne, máximos responsables del grupo, del que oiremos hablar mucho durante este año. Por una vez, el hype está justificado.
TEXTO: Montse Menese
Texto original y entrevista

Los apestados de la clase -jovencillos habitualmente negados en deporte y poseedores de un buen gusto musical raro de ver a tan tempranas edades- siempre suelen tener su venganza. Buen número de ellos, sobre todo en los Estados Unidos y Canadá, se resarcen de su adolescencia traumática a través de la música -que se lo pregunten a Frank Black-. A otros, desgraciadamente, les da por acabar trabajando en Sillicon Valley y crear Microsoft.

Por suerte, The Arcade Fire -combo formado en Montreal- pertenecen al primer grupo y con “Funeral” entregan una de esas obras que se antoja de referencia en los próximos años dentro del panorama indie norteamericano. Su debut es un disco especial por muchos motivos, empezando por sus textos, aparentemente decadentes y oscuros, alimentados por los males más comunes de los adolescentes, la alienación y el miedo a crecer, pero articulados como cantos a la acción, a vivir a pesar de las trabas que se nos pone en el camino. Nada de regodearse en la mierda, éste es un disco que activa conciencias, te levanta de la silla y te anima a pensar, a gritar, a ser en definitiva. Otra cosa que hace especial a este “Funeral” es su discurso musical, tremendamente personal y a la vez referencial a un montón de influencias engullidas y escupidas a la vez como propias. David Bowie, Neutral Milk Hotel, los Pulp más decadentes, Talking Heads, Pixies o The Flaming Lips sirven para describir el sonido de una de las bandas más singulares, desafiantes, misteriosas y visionarias del actual panorama indie-rock. Un grupo que se atreve con el pop de cámara, la Motown, la música disco, las baladas épicas y el rock contagioso y espasmódico (estilos que llegan a combinarse en una misma canción) y que encima lo borda se merece toda clase de elogios.
Autor: Xavi Sánchez Pons
texto original

SILENCIO

14 años y 361 días han transcurrido desde la última y única actuación del creador de la Bossa Nova en nuestro país. El mítico Joâo Gilberto ofreció dos únicos conciertos en el Teatre Grec de Barcelona los días 11 y 12 de Julio.

Quien esto escribe experimentó uno de esos escasos momentos de plenitud con los que la vida nos obsequia. El martes, 11 de Julio del año 2000, vio hecho realidad uno de sus sueños: ver y oír en vivo al genial Joâo Gilberto Prado Pereira de Oliveira.
Una única grabación en estudio después de nueve años y en 69 de existencia, un único concierto en España. Desde la actuación en el Conde Duque de Madrid en Julio de 1985 habían transcurrido exactamente 14 años y 361 días.
Ha sido una penitencia excesiva para sus devotos feligreses. Tan dolorosa privación tuvo su fin cuando guitarra en mano, avanzando a pasos cortos, la mirada baja y escondida, vestido con traje oscuro, camisa azul pálido, sin corbata y calzando unas deportivas blancas, Joâo Gilberto sale a escena. Brinda una leve reverencia al público y susurra: "Buenas noches, gracias".
Estalla una ovación honda, aliviada. Una ovación de gratitud, que expresa la sensación de privilegio que compartimos los que nos encontramos en el Grec. Ahora es posible creerlo. Esta ahí, acomodándose en la silla, ajustando el micrófono, colocando el pie derecho sobre el cajón frente a él.
La ceremonia está a punto de comenzar. "Eis aquí este sambinha feito numa nota só..." Creemos escuchar algo. Fluyen los primeros compases de Samba de uma nota só de Jobim. La magia se adueña del auditorio cuando oímos esa voz subyugante que se suspende interminablemente sobre los acordes. Suena más frágil por el paso de los años, pero sigue transmitiendo la misma emoción de siempre.
Joâo recibe los primeros aplausos con la cabeza vencida sobre la guitarra. Aguarda el fin de las palmas con resignación, haciendo frente a su genialidad. Los dioses le concedieron un hermoso don, pero no le dijeron cómo soportarlo. Recogido sobre sí mismo y su música, alzará la mirada hacia el público sólo en dos ocasiones.
Ofreció todo el repertorio que ha alimentado su mitología, y no me estoy refiriendo sólo al musical. A cada interludio entre canción y canción ajusta y reajusta el micrófono, cambia la silla de lugar quejándose del viento y tras requerirlo un espectador, reclama a los técnicos más volumen y más bajo para la guitarra ("no tan metálico, por favor"). Posee un oído prefecto y en su perfeccionismo sufre cuando no consigue extraer la tonalidad exacta.
Concluye Chega de Saudade, recrimina a quien ha estado tarareando la melodía mientras la interpretaba. El episodio parece descomponerle momentáneamente, mientras canta Samba da Minha Terra pierde la progresión de los acordes y concluye la canción de forma abrupta. Por fortuna, recupera pronto el tono y con Aos pés da Cruz vivimos uno de los momentos más intensos de la noche. La ejecuta según los cánones de la bossa: balanço continuo de guitarra y el tono de voz más bajo e intimista posible. Ahí nos mostró lo que hizo de él un músico único y evidenció que superar su contribución a la música brasileña y mundial, como las grandes plusmarcas deportivas, requerirá todavía de unos cuantos años.
No faltaron Corcovado, Doralice, Desafinado , Rosa Morena y algunos otros himnos bossanovistas. Revisó prácticamente todo su repertorio en español: Eclipse, Bésame Mucho y Una Mujer. Incluso como cierre, la canción que acaso más gloria le haya reportado: Garota de Ipanema.
Sin luces, sin efectos, sobre un escenario espartano, Joâo tocó y cantó solo. Nos transmitió sentimiento y tristeza, ritmo y belleza, y toda la soledad de sus silencios.
Tratamos de arrancarle alguna canción más puestos en pie, batiendo fuerte, todavía bajo su hechizo. Fue en vano, la ceremonia había definitivamente concluido.
Saludemos la visita del bahiano como un gran acontecimiento. Recordemos esta noche como la fecha en que vimos al Maestro en su senectud, que no en su ocaso. Eso nunca, su legado es inmortal.